Поп-арт — одно из самых известных художественных направлений XX века. Одни называют его американским феноменом, хотя зародилось оно в Великобритании, другие видят в нем прямой и логичный шаг в развитии западного искусства. Поп-художники использовали узнаваемые образы из популярной культуры, яркие цвета и броские названия, смешивая высокое искусство с провокационным китчем. Поп-арт может быть веселым, но может быть и тревожным, когда сквозь веселую рекламу просачиваются глубокие социальные проблемы. Посмотрите на 12 художников, которые определили поп-арт.
12. Поп-артист Ричард Гамильтон (1922 — 2011)
Что делает современные дома такими разными? Ричард Гамильтон, 1992 г., через Тейт, Лондон
Британский художник Ричард Гамильтон — один из основателей движения поп-арта. Одной из главных проблем Гамильтона была коммодификация повседневной жизни и разгул консюмеризма. Он рассматривал поп-арт не просто как еще одно художественное направление, а как образ жизни.
Наиболее узнаваемая работа Гамильтона — серия коллажей и гравюр, известная под названием Just What Is It That Makes Today’s Homes So Different? В ней Гамильтон соединил образы поп-культуры с рекламой и журнальными вырезками, а также фотографии военных действий или беженцев. В своей версии коллажа 1992 года он обратился к эпидемии СПИДа, пародируя работу Роберта Индианы «LOVE» 1967 года.
11. Джаспер Джонс (1930 -)
Картина Джаспера Джонса «Три флага», 1958 г., через Музей американского искусства Уитни, Нью-Йорк
Джаспер Джонс — великий американский поп-художник, известный своими картинами с изображением флагов и мишеней. Выросший в сельской местности Южной Каролины, он практически не имел контактов с искусством до подросткового возраста, но уже в раннем возрасте выразил мечту стать художником. Выбрав в качестве основной темы американский флаг, Джонс стер барьер между высоким искусством и повседневными предметами и спровоцировал разговор о воспроизводимости изображений. Как бы ни был вездесущ флаг в повседневной жизни американцев, его редко рассматривают пристально и подробно. Джонс оспорил этот факт, превратив флаг в набор узоров. Он не просто нарисовал флаг, он изваял его из энкаустики, соединив таким образом фигуративный поп-арт с фактурными мазками абстрактного экспрессионизма.
10. Роберт Раушенберг (1925 — 2008)
Ретроактивная картина I Роберта Раушенберга, 1964, через MoMA, Нью-Йорк
Ключевая фигура нескольких художественных движений, от неодады до поп-музыки, Роберт Раушенберг начал свою череду новаторских художественных инноваций с серии белых картин. Это были чистые холсты, лишенные какого-либо видимого вмешательства. Позже он перешел к созданию ассамбляжей из найденных предметов, гравюр и красок.
Раушенберг научился технике шелкографии у Энди Уорхола и часто использовал ее в 1960-е годы. Он подчеркивал подавляющий поток информации, поступающий из средств массовой информации. Раушенберг, как и многие другие поп-художники, был политически ангажирован. В его работах в стиле поп-арт часто встречаются изображения Джона Кеннеди как символа перемен, которые так и не смогли произойти в полной мере. Также встречаются мотивы, отсылающие к освоению космоса, которые вызывают оптимизм в отношении будущего.
9. Дэвид Хокни (1937 -)
Картина Дэвида Хокни «Больший всплеск», 1967, через Тейт, Лондон
Великий мастер поп-арта Дэвид Хокни — один из самых влиятельных британских художников своего поколения. Хотя Хокни не самый искушенный в технике художник в этом списке, его любовь к чистым цветам и простым формам сделала его одним из самых узнаваемых современных художников. Он также известен своими изображениями бассейнов: приехав в Лос-Анджелес из Лондона в 1963 году, Хокни был потрясен, увидев бассейны как часть повседневной жизни. Это увлечение привело его к созданию серии картин с бассейнами в период с 1964 по 1971 год. Даже в свои восемьдесят лет Хокни продолжает плодотворно работать.
8. Джеймс Розенквист (1933 — 1917)
F-111 работы Джеймса Розенквиста, 1964-65, через MoMA, Нью-Йорк
Поп-икона Джеймс Розенквист начал свою карьеру в качестве художника рекламных щитов и сохранил увлечение популярными образами на протяжении всей своей карьеры. Его мать была художником-любителем и следила за тем, чтобы сын с ранних лет приобщался к искусству. Наиболее узнаваемая часть творчества Розенквиста связана с войной во Вьетнаме. Хотя Розенквист не был политическим активистом, антивоенные послания очевидны в его работах. Он сопоставлял военные фотографии с повседневными изображениями консюмеризма, скопированными из журналов и рекламы. В его многопанельной работе «F-111» миски с макаронами и разбитые лампочки расположены рядом со взрывами атомных бомб, а фен на голове маленькой девочки очень похож на шлем летчика-истребителя.
7. Такаси Мураками (1962 -)
727, Такаси Мураками, 1996, через MoMA, Нью-Йорк
Японский художник Такаси Мураками — один из самых узнаваемых японских поп-артистов. Он также известен своими многочисленными коллаборациями с музыкантами и модными брендами класса люкс. Мураками сочетает западные традиции живописи, японскую ксилографию и современные манга и аниме. Несмотря на игривый вид и яркие цвета, придуманные им персонажи часто вызывают тревожные чувства дезориентации и беспокойства.
Мураками — автор теории сверхплоского искусства. Его плоские двухмерные изображения — это одновременно и кивок в сторону японских художественных традиций, и социальный комментарий к послевоенной Японии. По мнению Мураками, травмы войны и атомных бомбардировок Хиросимы и Нагасаки, а также стремительное послевоенное развитие придали японской культуре уникальную форму. Границы между искусством и консьюмеризмом, между высоким искусством и популярной культурой были стерты.
6. Рой Лихтенштейн (1923 — 1997)
Утопающая девушка, Рой Лихтенштейн, 1963 г., через Twitter
Великий поп-художник Рой Лихтенштейн находил свое вдохновение в комиксах. Но он никогда не копировал их в точности: Лихтенштейн кропотливо работал над углами, масштабами и композицией, чтобы превратить комический кадр в драматическую сцену и настоящее художественное высказывание. Его работы были пародийными, но они также были исследованиями индустриализации эмоций через средства массовой информации. По мнению Лихтенштейна, поп был не американским художественным направлением, а индустриальным, подпитываемым массовым производством и средствами массовой информации. Лихтенштейн также изобрел вращающийся мольберт, который позволял ему работать над картиной под разными углами.
5. Эдуардо Паолоцци (1924 — 2005)
Meet The People Эдуардо Паолоцци, 1948, через Тейт, Лондон
Несмотря на то, что обычно думают, поп-музыка зародилась в Великобритании. В 1947 году шотландский художник Эдуардо Паолоцци представил свой первый коллаж под названием I Was a Rich Man’s Plaything. Он был сделан из вырезок американских журналов. Философия Паолоцци заключалась в том, чтобы ничего не выбрасывать. Он использовал все — от журналов до винных коробок — и находил множество способов включить в свои работы, казалось бы, бесполезные предметы. Хотя Паолоцци считается пионером поп-арта, он всегда считал себя сюрреалистом, который в основном создавал скульптуры. На самом деле, термин «поп-арт» еще не существовал, когда появились новаторские работы Паолоцци. Лишь десятилетие спустя, в 1958 году, английский художественный критик Лоуренс Аллоуэй ввел этот термин.
4. Яёи Кусама (1929 -)
Бесконечная комната Яёи Кусамы, через Times of Israel
Яёи Кусама — живая легенда поп-арта и, возможно, самая известная из ныне живущих женщин-художниц. Ученица Джорджии О’Кифф, она известна своими узорами в горошек, использованием диких цветов и бесконечными комнатами. Инсталляции «Бесконечные комнаты» представляют собой окружение, состоящее из зеркал, надувных скульптур и причудливых форм. Ее одержимость точками, цветами и повторяющимися узорами идет из детства, когда у юной Кусамы были галлюцинации, что узорчатая скатерть разрастается и покрывает все вокруг, включая потолок.
В 1977 году из-за ухудшения психического здоровья Яёи Кусама попала в психиатрическую больницу в Токио. Художница живет в этом учреждении, а рядом с ней построена ее художественная студия. Кусама призналась, что искусство — ее единственная причина оставаться в живых. Художница считает искусство лекарством и универсальным языком.
3. Клаес Ольденбург (1929 — 2022)
Гигантский BLT (сэндвич с беконом, салатом и помидорами), работа Клаеса Ольденбурга, 1963 г., через Музей американского искусства Уитни, Нью-Йорк
Клаес Ольденбург — одна из главных звезд американского поп-арта. Известный своими гигантскими скульптурами еды и обыденных предметов, Ольденбург делал акцент не только на критике капитализма и потребления, но и на самих предметах. Преувеличивая их размеры, поп-художник заставлял зрителей по-другому взглянуть на свою повседневную жизнь и вызывал детское восхищение обыденными предметами.
С середины 1970-х годов Ольденбург часто работал в сотрудничестве со своей женой, голландской художницей по имени Коозе ван Брюгген. Их самая известная работа — произведение общественного искусства под названием «Мост ложек и вишен». Ольденбург и ван Брюгген создали пятнадцатиметровую ложку для Сада скульптур Миннеаполиса. Несмотря на современный вид работы, художники черпали вдохновение для этой инсталляции в садах скульптур Версальского дворца.
2. Кит Харинг (1958 — 1990)
Кит Харинг рядом с одной из своих работ, с сайта Dazed
Кит Харинг начинал с рисования граффити в нью-йоркском метро. Некоторые эксперты рассматривают его простой, почти детский стиль рисования как возрождение фигуративного искусства, которое было заслонено абстракцией предыдущих десятилетий. Фигурки Харинга написаны яркими, почти агрессивными красками и сочетают в себе легкомысленный вид с остроумными социальными комментариями.
Художественная практика Харинга неотделима от его политического активизма. При жизни он часто затрагивал такие темы, как наркомания и системный расизм. Он также открыто выступал против режима апартеида в Южной Африке. Фонд Кита Харинга, основанный за год до его смерти от СПИДа в 1990 году, использует наследие художника для финансирования благотворительных организаций для обездоленных детей и фондов по борьбе со СПИДом.
1. Самый знаменитый поп-художник: Энди Уорхол
Без названия из серии «Мэрилин Монро» Энди Уорхола, 1967, из музея MoMA, Нью-Йорк
Энди Уорхол — первое имя, которое приходит на ум при мысли о поп-арте. Уорхол — это и есть поп-арт, причем не только с точки зрения его художественных творений, но и с точки зрения его публичной персоны. Его ранняя работа в качестве коммерческого иллюстратора позволила ему узнать о предпочтениях потребителей и о том, как работает реклама. Позже он использовал эти знания, чтобы внедрить логотипы брендов и образы знаменитостей в свои работы.
Уорхол по-новому осветил темы воспроизводимости и подлинности произведений искусства. Во многих случаях шелкография создавалась его ассистентами практически без вмешательства самого Уорхола. Эти нюансы, наряду с использованием символов поп-культуры, добавляют еще одно измерение к работам Уорхола, фокусируясь на ироничном отношении к рынку искусства и концепции культуры знаменитостей.
